UCCA北京
梦想时间
2024.1.27 - 2024.4.28
关于展览
UCCA尤伦斯当代艺术中心于2024年1月27日至4月28日呈现新年首展“梦想时间”。本次群展是一场关于意志、希望、记忆与想象的展览，以来自世界各地的15位（组）艺术家的创作，探究梦同时作为梦境与预想的丰富涵义。展览将UCCA中展厅、新展厅和西展厅化为梦境，为观众开启感官与思考的多重通道，引领我们重思当代生活。
2024年1月27日至4月28日，UCCA尤伦斯当代艺术中心为观众呈现新年首个展览“梦想时间”。在本次群展中，15位（组）艺术家将通过绘画、雕塑、摄影、影像、装置和表演等多元媒介的作品，探究梦同时作为梦境与预想的丰富涵义，共同参与对主体性和赋权的探索。作为极为私密的心理图式，梦描绘着个人精神世界的图景，唤起内心最深处的欲望和恐惧，联结着过去与未来，同时也强化了人类对自我和集体的认同。随着现代科技对大脑活动的深度介入，人类的精神世界不断被触手可及的无限碎片化信息湮没，以至于我们不再有足够时间去思考更为重要的议题，诸如性别与身份认同、环境可持续性、主观认知、亲密关系、技术演变，以及个人和集体记忆等等。在本次展览中，艺术家们将基于各自的人生经历与文化背景将这些议题再次带至观众视野，藉由作品将UCCA展厅变成融汇心理学与社会历史性的虚构梦景，为观众开启感官与思考的多重通道，将个体内心世界对记忆的重塑以及对未来的重构嵌入集体之梦，引领观众重新思考当代生活。参展艺术家包括：艾丝利·乔乌肖鲁与因吉·艾薇内、陈泳因、亚莉桑德拉·杜曼诺维、冯至炫、提达·海希弥与苏菲亚·艾芳尼安、斯凯·霍平卡、克里斯汀·孙·金、马秋莎、伊西娅尔·欧卡丽兹、彭祖强、单慧乾、曹晶、王伊芙苓韬程、王裕言、徐冠宇。本次展览由UCCA策展人方言策划。
“梦想时间”从UCCA西展厅开启，首先映入眼帘的是克里斯汀·孙·金受委任创作的最新作品《很遗憾，我们不能》（2024）。在这件以其标志性的艺术语言创作的场域特定墙绘作品中，艺术家借由日常使用的美国手语（ASL）展现“做梦”和“创伤”的内容，激发观众对人的多种感知方式的重视，同时也是对以声音主导的口头语言统治下的既有艺术史叙事的挑战。接下来的是陈泳因的参与性艺术项目《半梦》（2020至今），通过在该项目线上平台收集梦想的方式，艺术家将不同背景、身份各异的人联系在一起。此次艺术家还根据展厅空间进行了特别设计，参观者可以在“半公共”的空间里，放松浏览别人的梦想，或聆听远方陌生人通过麦克风独自诉说着梦，或亲自做梦，等待梦境将你带向所匹配的另一方。
移步至新展厅，空间的四件作品为观众讲述了来自世界不同角落的故事。伊西娅尔·欧卡丽兹通过《雕像》（2019）带领观众走进赋予静物以主体性的世界。《雕像》记录了欧卡丽兹在不同国家地区博物馆里，与雕塑及其他艺术品之间进行的一系列“喃喃私语”。通过这些对话，艺术家仿佛与作品背后所凝聚的历史讯息建立起另一维度的个人化的亲密关系。展览期间，欧卡丽兹还将为观众现场表演其基于文字创作的《梦的日志》，与观众分享其最近的梦境。斯凯·霍平卡的《口耳相传》（2019）则是对霍利斯·弗兰普顿1970年代实验电影的致敬，作品结合图像、拼贴和艺术家自创的诗歌，讲述了一个感情与历史交织的故事。提达·海希弥与苏菲亚·艾芳尼安通过两人共创的一系列新的绘画作品，表达她们的爱意、多元之爱与亲密关系。作品中的每一朵花仿佛一位独特的爱人，轻声低语自己的故事，散发着各自不同的美。此外，徐冠宇受自身经历的启发，以《外籍人口》（2021至今）记录了移民生活，揭示了移民者在自己住所中所面对的困境与不安全感，进而对公民身份的定义与不确定性提出质疑。
最后的中展厅则转化为传统与现代能量交织的空间。艾丝利·乔乌肖鲁和因吉·艾薇内共同创作的《水之妖灵》（2023）蕴含了期望污染严重的土耳其河流再次恢复生机的美好愿景。艺术家在创作过程中，为使用的墨水象征性地加入受污染的河水，运用丝网印刷技法，重新描绘出因污染而灭绝的水下动物，并融入了城市文化和本地神话元素。冯至炫的《星辰许愿阵》（2023）使用源于工业材料的树脂机械臂、古钱币和生物材料，并置呈现了科技、神话、贸易远征、以及对遥远未来的想象。曹晶借助陶瓷浅浮雕塑造的异化面庞，探讨了中西方文化的碰撞、过去如何影响未来，以及在这个后全球化世界和共享现实观念之下定义身份的可能性。王伊芙苓韬程则引用大卫·赫伯特·劳伦斯的小说《查泰莱夫人的情人》中充满刻板印象的文字，在她的“假海报”系列作品中，以当代视角对这些主题进行了审视。通过对语言、语境幽默且富有诗意的创造性转换与挪用，艺术家将传统水墨和书法从简单的临摹复制中解放出来。
此外在中展厅，艾莉桑德拉·杜曼诺维以贝尔格莱德手——世界上第一只具有感官反馈功能的机器手——为原型，创作了一系列雕塑作品，邀请观众重思人与技术和历史的关系，以及女性在其中所扮演的角色。马秋莎的最新作品《海上窗》（2023 - 2024）将其从世界各地收集的中国文玩旧货汇聚于移动的橱窗内，这既是对艺术家儿时记忆与个人身份的探究，也为观众于真实与想象之间提供了一个开放路径，以探寻自身与时间或历史的关联。在彭祖强最近创作的三频影像装置《自动更正》（2023）中，伴随着激光刻在16毫米胶片上的歌词，艺术家结合其对1990年代早期华语流行音乐中都会曲风的挪用和全新诠释，激发观者思考视角切换与情感记忆中自我与他者的消融及其影响。王裕言的全新影像装置《熟睡的世界转过身来》（2023）结合大量现成的影像素材，为观众描绘了虚构世界的人造照明工程，希望以此记录下这个痴迷于可见性与效率的时代的一个切面，以及人类无限的驱光与视觉欲望的症候。
展览最后是单慧乾的作品《全部都係你》（2021），艺术家将其过去作品中构建的四个不同男性变装角色，或者说四个不同的形象组成一个偶像男团，以夸张的手法揭示了偶像团体自相矛盾的存在逻辑，即个体必须作为团体的一部分而存在。在后全球化时代，我们应该如何在联结彼此的同时，保留自己的个性与自我认同？生活在日益充满挑战的当下，又该如何继续憧憬未来？对此，或许我们永远无法得出结论，但至少“梦想时间”所呈现的各种可能性将给我们以些许启示。
赞助与支持
本次展览感谢北京塞万提斯学院提供展览支持，感谢Stey提供独家住宿支持。展览独家环保墙面方案由多乐士提供，展览独家音响设备与技术支持由真力提供。同时，亦感谢尤伦斯艺术基金会理事会、UCCA国际委员会、UCCA青年赞助人、首席战略合作伙伴阿那亚、首席艺读伙伴DIOR迪奥、联合战略合作伙伴彭博和垠艺生物，以及特约战略合作伙伴巴可、多乐士、真力和Stey长期以来的宝贵支持。
展览公共项目
展览对公众开放的首个周末，UCCA公共实践部将推出系列开幕活动：1月27日（星期六）下午，邀请参展艺术家陈泳因组织一场特别工作坊，带领观众尝试以粘土重现梦境，邀请大家将作品加入其装置作品周围，构成一组关于梦境的图景；1月28日（星期日）下午，参展艺术家伊西娅尔·欧卡丽兹将带来一场由她演说为主的实验讲座，引领观众将个体内心世界中对记忆的重塑以及对未来的重构嵌入集体之梦，并重思当代生活。敬请访问UCCA官方平台，获取与展览相关的最新活动信息。
关于艺术家：
艾丝利·乔乌肖鲁
1982年出生于伊斯坦布尔。艾丝利·乔乌肖鲁的艺术实践检视诸多文化与历史事实被个体转化、表征及阐释的方式。通过使用不同的媒介，乔乌肖鲁经常在她的项目中假定阐释者、写作者或促进者的角色，以凸显我们共有历史的脆弱和主观本性。
近期个展包括：“隐生状态”（巴雷拉协会，都灵，2022）；“粉如包菜，绿犹洋葱，蓝若橙子”（EK BİÇ YE İÇ，伊斯坦布尔2021；卡蒂斯基金会，巴黎，2020）；“轻推那一声”（马萨诸塞现代艺术博物馆，马萨诸塞州，2020）；“石处”（新美术馆，纽约，2018）；“红/红”（阿拉伯现代艺术博物馆，卡塔尔，2016）；“在不同评价中——小莫斯科”（罗德岛艺术学院博物馆，普罗维登斯市，2014）；“石头的对话”（ARTER，伊斯坦布尔，2013）；“三幕中的谋杀”（德尔菲娜基金会，伦敦，2013）。曾参加由以下机构举办的群展和双年展：UCCA沙丘美术馆（北戴河，2022）；东京宫（巴黎，2020）；现代博物馆（斯德哥尔摩，2017）；里沃利当代艺术博物馆（都灵，2019 与2017）；第十一届欧洲当代艺术双年展（苏黎世，2016）；第十四届伊斯坦布尔双年展（伊斯坦布尔，2015）；新当代艺术博物馆三年展（纽约，2015）；Witte de With当代艺术中心（鹿特丹，2014）；应用艺术博物馆（维也纳）和Perfoma 11双年展（纽约，2011）。她的作品被众多国际艺术机构收藏，例如：Arter（伊斯坦布尔）、大英博物馆（伦敦）、里沃利当代艺术博物馆（都灵）、阿拉伯现代艺术博物馆（卡塔尔）、纽约当代艺术中心（纽约）和卡蒂斯基金会（巴黎、旧金山）。
因吉·艾薇内
出生于安卡拉，现生活和工作于土耳其伊斯坦布尔。艾薇内从国家美术学院绘画系毕业后，在米玛尔锡南大学艺术系攻读博士学位，并于 1992 年获得学位。她在2017 年获得了沙迦艺术双年展的奖项（13奖）。在艾薇内的整个职业生涯中，她还受邀参加了佛罗里达州劳申伯格基金会、美国纽约 ISPC国际艺术工作室、巴黎 SAM 艺术项目等举办的艺术家驻留项目。
艾薇内最重要的展览之一是威尼斯双年展土耳其馆（威尼斯，2019），另一个是她在土耳其伊斯坦布尔现代博物馆举办的回顾展“谁在你里面？”（伊斯坦布尔，2016）。她还在一些重要的个展中展出了自己的作品，如在迪里马特画廊举办的“女神与客旅”（伊斯坦布尔，2022）；内夫画廊的“未露端倪”（伊斯坦布尔，2017）；纽约绘画中心的“跷家女孩”（纽约，2015）；法国巴黎市立现代艺术博物馆的“破碎的宣言”（巴黎，2011）；白教堂画廊礼堂艺术的“后宫”（伦敦，2009）。艾薇内还参加了全球多个双年展，包括利物浦双年展（2018）、光州双年展（2018）和第13届伊斯坦布尔双年展（2013）。
陈泳因
1987年出生于香港，现居住于纽约。她是一名专注于社会实践的多媒体艺术家。陈泳因大学时期主修视觉传达，其后修读摄影，并于2021年毕业于芝加哥艺术学院，获艺术教育硕士学位。陈泳因在自己的作品中主要重新检视了人际关系与物质性之间的张力，并通过收集、筛选和重组日常生活片段，探索个体如何与集体和个人回忆互动的方式。陈泳因善于为特定场域创作装置作品、公共项目及虚拟项目，以及使用图像、雕塑、物体、声音和表演等表现方式与广泛的个人进行合作。
陈泳因曾于奥地利林兹电子艺术节（林兹，2022）、时代美术馆（广州）,、Art Omi（纽约)及 Para Site（香港）等机构展出其作品。2023年, 陈泳因受大馆当代美术馆委约创作虚拟空间V仓项目“小酌一梦”。同年，她被《艺术世界 ArtReview》选为“未来之星”之一。2021年, 她成为Eyebeam Fellow，并入围第四届现代汽车集团设立的VH Award。此外，陈泳因还被《Cultured》杂志评选为2021年度年青艺术家。
亚莉桑德拉·杜曼诺维
生活在柏林的艺术家和电影制片人。在其职业生涯中，杜曼诺维持续在雕塑、视频、版画和数字艺术作品中探索科技、历史和身份之间的关系。艺术家采用自传式的方法，时常对其出生国南斯拉夫的复杂历史进行思考。她即将在维也纳美术馆举办大型个展（2024）；近期将在以下机构举办个展，包括米兰现代艺术博物馆（2019）、克利夫兰现代艺术馆（2018）、波恩联邦美术馆（2017）和利兹亨利摩尔学院（2017）等。
冯至炫
1993年出⽣于温州，现生活和工作于北京，2015年毕业于中国美术学院公共艺术系，2018年毕业于英国皇家艺术学院雕塑系。多元的⽣活与艺术经历不断激发冯⾄炫的创作灵感，他的作品通过⾮虚构的材料层次唤起⽂化共鸣，并利用⽇常肌理中的隐藏物料进⾏造史⾏动。⽂化元素从⾼度个性化的材料形态中涌现，在历史和即兴叙事之间转换，创造出超越特定时空的普世价值。他的雕塑装置始终表现出⼀种张⼒，将神话、技术、生态及太空想象等元素动态融合。对他来说，材料既是⽂化的粘合剂，也是抵抗的结果。他的每件作品都充满对当代城市环境与⾮⼈性化⽣产的“反抗”痕迹。在游牧式的创作与展览过程中，冯至炫不断建立纵向体验的⾃主结构，在热⼯业废墟拾遗的过程中孕育出以人为本的生态想象力。
冯至炫曾经参与的个展与群展包括“⽀配者”（没顶画廊，上海，2023）；“⽰范：做决定技术的艺术”（复星艺术中⼼，上海，2023）；“幻觉乱码”（颂艺术中⼼，北京，2023）；“我们从别⼈那⾥借梦想，像债⼀样”（没顶美术馆，上海，2022）；“燃冉艺术季——回环之歌”（UCCA Edge，上海，2022）；“晦暗里，身体循光深潜”（北丘当代美术馆，南京，2022）；“春天狂想曲”（⾦杜艺术中⼼，北京，2022）；“USB多端⼝链接展”（没顶画廊、Gallery Func、乔空间、in the Park，上海，2021）；“雪虐风饕”（Auto，瑞士，2021）；“世袭领地”（宝⻰美术馆，上海，2021）；”重逢岛X——看见的与看不见的”（原·美术馆，重庆，2021）；“A truck is parked in the grass near a tree in doubt”（纽伦堡—埃尔兰根孔院艺术空间，纽伦堡，德国，2020）；“全球客厅”（寄存处，上海，2019）。
提达·海希弥
1991年出生于伊朗德黑兰，生活和工作于巴黎、德黑兰和柏林之间。海希弥善于利用手边的创作工具让人们在小幅的纸上，抑或是画布上躁动、聚集、甚至爆发。有时，其似乎摆脱了一切束缚和常规，有时，其又在惯常的礼仪规则中窒息，并对所谓的善意社会连连作呕。用其自己的话说，艺术家可能不是“居住在街头的活动家，而是其所选择的生活方式的活动家”。艺术是其唯一的必需品，是其真正的家。只有在这里，其才能充分表达自己。只有在这里，其才能同时成为自己和他人，因为在这个空间里，一切皆有可能。
其近期个展包括“提达·海希弥：被困的摇篮曲”（gb agency，巴黎，2023）；“在线：提达·海希弥”（gb agency，巴黎，2022）；“微风 5：提达·海希弥：湿透的塑料，脆弱的心”（gb agency，巴黎，2021）。群展包括“Frac基金会四十周年纪念展”（法国罗曼维尔，2023）；“蝎子鼻烟盒： 酷儿小说的视觉之旅”（玛丽亚·特蕾莎堡，罗马尼亚泰梅什，2023）；“从他们的时代起”（法国敦刻尔克，2023）；“逃亡者”（伊夫里当代艺术中心，法国塞纳河畔伊夫里，2022）；“极度敏感”（法国布雷斯特当代艺术中心，2022）；“身体与佳作”（巴黎现代艺术博物馆，2022）；“在温暖的夜色中”（Marcelle Alix画廊，巴黎，2021）。其作品还在一些艺博会展出，如巴黎+巴塞尔艺术博览会 2023 & 2022（瑞士巴塞尔）；巴黎艺术博览会 2023 & 2022（巴黎）；FIAC 2021（巴黎，2021）。
苏菲亚·艾芳尼安
1990年出生于伊朗马什哈德，是一位生活在柏林的艺术家，曾在马什哈德的阿扎德大学学习建筑学，后在位于法兰克福应用科学大学攻读机械工程专业。自十年前移民德国，她不断迁居于不同城市和各处公寓。这种永久性的变化塑造了她对“家”这一概念的理解，并引导她通过艺术探索“家”的意义。她在艺术中找到了自己真正的兴趣所在。艾芳尼安将艺术作为一种生存和表达方式，并借其挣脱了时间、地点和社会期望的桎梏。
艾芳尼安作品的核心是对人与人之间相互联结的深切渴望。她的画作捕捉了群体的喜怒哀乐、激情与深思，反映了他们的故事、情感和挣扎。她在作品中凝炼了这些经历，剥离了不必要的细节以揭示人类情感的本质。艾芳尼安意图通过自己的艺术与他人建立联结，传递他们的情感，并揭开人类生存的复杂面纱。她的作品是意义深远的叙事媒介，以及艺术与人类情感间纽带的化身。在这个充满活力、不断变化的世界中，艾芳尼安的艺术作品持续引发共鸣，鼓励观众回顾自己对家、归属感和人性本质的体验。
斯凯·霍平卡
圣语族佩昌加部落路易塞诺印第人，1984年出生于华盛顿州芬代尔，在加利福尼亚州棕榈泉和河滨县、俄勒冈州波特兰和威斯康星州密尔沃基生活过数年。 在波特兰，他学习并教授奇努克混合语，这是一种源自哥伦比亚河流域下游的语言。 他的视频、照片和文字作品以个人对原住民家园和风景的视角为中心，聚焦于如何将语言作为通过个人、纪实和非小说形式表达文化的一种载体。
他的作品曾在多个电影节上放映，包括圣丹斯电影节、多伦多国际电影节、安娜堡电影节、考蒂桑电影节、观点国际纪录片电影节和纽约电影节。作品曾参加2017年惠特尼双年展、2018年前沿国际三年展和2021年新奥尔良展望5。他是2019年惠特尼双年展的客座策展人，并参加了蓬皮杜中心的全球都市#2。 曾于2020年在巴德学院策展研究中心以及2022年在法国阿尔勒的卢玛基金会艺术中心举办过个展。2018年至2019 年担任哈佛大学拉德克利夫高级研究所研究员、2019年圣丹斯非虚构类艺术研究员、2019年艺术事务研究员、2020年阿尔珀特电影/视频奖获得者、2020年古根海姆奖获得者研究员，并且是2021年Forge原住民艺术项目研究员。2022 年秋，因其作为视觉艺术家和电影制片人的工作而获得麦克阿瑟“天才奖”。
克里斯汀·孙·金
驻柏林的美国艺术家。在她的实践中，克里斯汀·孙·金通过解构声音政治，探索口头语言如何作为一种社交货币流通，从而关注声音在社会中的运作。音乐记谱法、书面语言、信息图表、美国手语（ASL）、身体的使用和巧妙安插的幽默，这些都是她作品中反复出现的元素。通过绘画、表演、影像和大型壁画等媒介，克里斯汀·孙·金探索了她与口语、人造环境和社会环境、以及与世界的关系。
克里斯汀·孙·金曾在众多国际艺术机构举办展览和表演，其中包括：光州双年展（2023）；Secession（维也纳，2023）；皇后区艺术博物馆（纽约，2022）；纽约绘画中心（2022）；MMK法兰克福现代艺术博物馆（2021）；曼彻斯特国际艺术节（2021）；剑桥麻省理工理斯特视觉艺术中心（2020）；纽约惠特尼双年展（2019）；奥尔布赖特-诺克斯美术馆（布法罗，2019）；芝加哥艺术博物馆（2018）；旧金山现代艺术博物馆（2017）；De Appel艺术中心（阿姆斯特丹，2017）；柏林双年展（2016）；上海双年展（2016）；纽约MoMA PS1馆（2015）；纽约MoMA（2013）等。克里斯汀·孙·金是福特基金会与梅隆基金会旗下的首届“残障未来奖金”获得者之一，也是TED资深研究员（TED Senior Fellowship）和麻省理工学院媒体实验室研究奖金（MIT Media Lab Fellowship）获得者。其作品被许多重要机构收藏，包括：纽约现代艺术博物馆、洛杉矶艺术博物馆、泰特不列颠美术馆、史密森尼美国艺术博物馆、洛杉矶当代艺术博物馆、惠特尼美国艺术博物馆等。她的作品由François Ghebaly画廊（洛杉矶）和空白空间（北京）共同代理。
马秋莎
1982年出生于北京，2005年毕业于中央美术学院，2008年毕业于美国阿尔弗雷德大学电子综合艺术专业，获硕士学位，现生活和工作于北京。她的个展曾在英国Middlesbrough Institute of Modern Art 、OCAT西安、北京公社、曼切斯特华人艺术中心、北京UCCA尤伦斯当代艺术中心、北京泰康空间举行。她的作品曾于德国戴姆勒当代艺术中心、洛杉矶郡美术馆、香港大馆当代美术馆、芝加哥大学斯玛特艺术博物馆、成都麓湖·A4美术馆、上海当代艺术博物馆、北京民生现代美术馆、上海OCAT当代艺术中心、上海chi K11美术馆、香港Para/Site、法国蓬皮杜艺术中心、德国卡尔斯鲁尔艺术与媒体中心、英国泰特现代美术馆、加州橘郡美术馆、土耳其Borusan Contemporary、佛罗里达坦帕艺术博物馆、佛罗里达圣彼得斯堡美术馆、荷兰格罗宁根美术馆、北京UCCA尤伦斯当代艺术中心、美国休斯顿当代美术馆、中央美术学院美术馆、中国美术馆、纽约International Studio & Curatorial Program、俾尔根国际艺术基金会和挪威斯塔万格美术馆等多处展出。马秋莎曾被提名“皮埃尔·于贝尔奖”（2014）及“第七届AAC艺术中国-年度青年艺术家”（2017、2013）。
伊西娅尔·欧卡丽兹
1965年出生于西班牙，现生活于纽约和圣塞瓦斯蒂安。欧卡丽兹是一位注重行为和表演的艺术家，她质疑规范语言的方式以及定义我们的符号的产生。她的作品——声乐表演、即时行为、录像、装置和文字作品——检视了建筑、地域、身体、仪式、性和符号学之间的联系。她的作品往往与女性主义实践、朋克摇滚以及针对性别构建规范的酷儿批判密切相关。近年来，她与其他艺术家合作，将自己的实践与艺术的传播和教学形式联系起来。
伊西娅尔·欧卡丽兹的近期项目包括“Ulultronica： 声波调查展”（洪山当代艺术中心，石家庄，2023）；“Processi 150”（西班牙皇家学院，罗马，2023）；“第二十三届Paiz艺术节”（危地马拉城，危地马拉，2023）；“居所之外”（库瓦普拉，罗马，2023）；“Oceanica”（奥伯维利耶实验室的口述资料，巴黎，2023 ）；“浪潮”（索莱里克宫，马略卡岛帕尔马，2022）；“第2章 VW”（Playbill，鱼雷剧场，阿姆斯特丹，2022）；“Rodeo”（Musac，里昂，2022）；“非静物”（Disjecta，波特兰，2022 ）；“动人之语”（Rimi Scenekunst，斯塔万格，挪威，2021）；第十三届上海双年展：水体（上海当代艺术馆，上海， 2021）；“海洋气息”（思想之夜 MNCARS，马德里，2021 年）；“雕像”（Oteiza基金会，阿尔祖扎，西班牙，2020）；“穿孔”（第 58 届威尼斯双年展西班牙馆，与Sergio Prego合作，2019）；“我从未说过雨伞”（塔巴卡莱拉，圣塞巴斯蒂安，2018）；“一个建筑...”（CA2M，马德里，2018）；“伊齐亚·奥卡里兹”（Kunsthaus Baselland，巴塞尔，2017）；“Ideorritmias”（MACBA，巴塞罗那，2017）。
彭祖强
1992年出生于长沙，现生活和工作于荷兰阿姆斯特丹。2014年毕业于伦敦大学金史密斯学院，2017年毕业于芝加哥艺术学院。彭祖强的创作以录像、电影与装置的形式展开，着眼于具体物件、语言和历史中潜藏的多元联系与情感痕迹。
彭祖强目前是荷兰皇家视觉艺术学院（Rijksakademie）的驻留艺术家。他参与过的驻留项目包括：中欧大学高等研究院（布达佩斯，2022）、器空间（重庆，2021）、Skowhegan（美国缅因州，2019）以及The Core Program 驻地计划（美国休斯顿，2017-2019）。他于2022年获得Illy Present Future奖，并曾于 2020年以首部长片《难》获印尼日惹纪录片电影节国际长片竞赛单元的“特别提及”。
彭祖强的近期个展包括：山德雷托·雷·雷包登戈基金会个展（都灵，意大利，即将展出)；“Vestiges”（Kevin Space，维也纳，奥地利，2023）；“Souvenirs of Friction”（E-Flux Screening Room，纽约，2022）；“Sideways Looking”（Cell Project Space，伦敦，2022）；“彭祖强：还未命名的片刻”（天线空间“天线的线”项目，场地由Objective画廊支持，上海，2021）等。 参与的部分群展及放映包括：第22届Sesc_Videobrasil 双年展：Memory is an Editing Station（Sesc 24 de Maio，圣保罗，巴西，2023）；“米修米修 收到信号了吗?”（天线空间，上海，2023）；“The Difficult Art of Taking a Walk”（CCA 柏林当代艺术中心，德国，2023）；欧洲媒体艺术节（EMAF 36）（奥斯纳布吕克，德国，2023)；“Double Feature”（席尔恩艺术馆，法兰克福，德国 ，2022)；“Oceans of Time”（Chateau Shatto，洛杉矶，2022）；25FPS（萨格勒布，克罗地亚，2022）； 卡塞尔Dokfest（卡塞尔纪录片和影像艺术节，德国，2022）；“2022 OCAT x KADIST 青年媒体艺术家项目展览单元：共同的____”（OCAT上海馆，2022）；“大象出走”（美凯龙艺术中心，北京，2022）；“离岸之歌”（时代美术馆，广州，2021）；北京国际短片联展 BISFF：“中子”中片展映单元（北京，2021）；“Más alláel mar canta（远方，大海在歌唱）”（柏林时代艺术中心，德国，2021）；第8届华宇青年奖入围展：漫长的问候，（UCCA尤伦斯当代艺术中心，北京，2020）；阿姆斯特丹国际纪录片节IDFA：First Appearance section（阿姆斯特丹，荷兰，2020）；日惹国际纪录片影展FFD：长片竞赛单元“特别提及”（日惹，印度尼西亚，2020）；休斯顿电影艺术节：Borders | No Borders program（美国，2020）等。
单慧乾
1991 年出生于多伦多，现生活和工作于英国伦敦。以思辨小说的方式介入行为、写作与动态影像中，以扰乱对于欲望、身份认同与物化的规训过程。单慧乾以“变装”作为具目的性的艺术体现，质疑归因于科技和观看系统中生成的理想形像的化身。他们的作品透过观看和渴望的个人经验，呈现建基于社会体系中个体不安经验的奇想。
单慧乾曾入围2022年英国透纳奖，并于罗马Fondazione Memmo举办个展“Dreaming the End”。其表演及作品于各类国际机构与画廊展出，包括瑞士日内瓦当代艺术中心 （2023）、香港大馆当代美术馆（2022）、香港Para Site艺术空间（2022）、英国伦敦萨默塞特府（2022）、美国洛杉矶当代艺术学会（2022）、 美国纽约所罗门·R·古根海姆美术馆（2022）、英国伦敦大英博物馆（2022）、 瑞士苏黎世Shedhalle（2022）、 英国巡回展出“British Art Show 9” （2021）、英国伦敦当代艺术学会（2020）、上海油罐艺术中心（2021）、加拿大多伦多当代加国艺术馆（2019）、加拿大蒙特利尔MOMENTA 摄影双年展（2019）、英国伦敦海沃德美术馆（2019）、意大利第58 届威尼斯双年展的“Meetings on Art” （2019）、英国伦敦白教堂艺廊（2019）、法国巴黎东京宫的“Do Disturb Festival ”（2019）、英国伦敦蛇形画廊（2019）、英国伦敦海沃德美术馆（2018）、台北当代艺术中心（2018）及英国伦敦泰特现代艺术馆（2017）。
曹晶
1989年出生于台北，现生活和工作于维也纳。在维也纳应用艺术大学获得艺术硕士学位，其艺术实践涉及雕塑、装置、音乐、表演以及新媒体等表现形式。曹晶的创作灵感源于材料的人造属性及其对人类记忆和历史的叙述。她在自己作品中构建了一个反时序的背景，以探索东西方之间的历史互动，以及过去与未来的交融。这些元素在时间感知中交织在一起，体现了后全球化文化中不断演变的身份。
曹晶的作品曾在奥地利美景宫21美术馆（维也纳）、奥地利Martin Janda画廊（维也纳）、奥地利维也纳艺术馆（维也纳）、瑞典Nevven画廊（哥德堡）等著名艺术机构展出。曹晶还曾在奥地利Unsafe+Sounds音乐节（维也纳）、奥地利Rote Bar/大众剧院（维也纳）和奥地利路德维希基金会现代艺术展览馆（维也纳）等知名机构演出。值得一提的是，她的陶瓷作品被纳入维也纳路德维希基金会现代艺术展览馆的藏品当中。此外，曹晶还担任了维也纳EPHEMEROS 系列活动的策展人，关注推广新兴艺术家和酷儿女权社群。
王伊芙苓韬程
1981年出生于成都，现工作和生活于鹿特丹。2006年，她于南京师范大学中国传统艺术系获得学士学位。2012年，于法兰克福Städelschule美术学院获得硕士学位。王伊芙苓韬程的作品应当被视作一个整体的“星群”, 涵盖了众多既定艺术门类，包括绘画、书法文字、环境装置、录像短片、服装设计和表演。作品作为媒介、载体，为她所设定的多种主题服务，例如中国传统与现当代艺术、以及殖民历史、酷儿、女性文化与女性主义运动等，并通过重叠混合，将这些相互独立的概念交融链接。2012年至2014年，她作为驻地艺术家参与了阿姆斯特丹的De Ateliers驻地计划。收藏其作品的机构包括美国芝加哥艺术博物馆，法国巴黎蓬皮杜中心，荷兰阿姆斯特丹ABN AMRO Collection，荷兰阿姆斯特丹市立博物馆，荷兰乌特勒支中央博物馆等。
近期个展：“参差的对照”（外滩美术馆，上海，2023）；“Norwegian Music in Dutch Window”，Kayokoyuki，东京，2022）；“眼影之心”（天线空间，上海，2021）；“读后感”（Kunstverein Düsseldorf，杜塞尔多夫，2021）；“朝花夕拾”（Hermitage博物馆，阿姆斯特丹，2021）；“Sour Gnossiennes”（Museum Abteiberg，门兴格拉德巴赫，2020）；“传播优雅”（FRAC Champagne-Ardenne，兰斯，法国，2019）；“下午无血”（卡洛斯/石川，伦敦，2019）；“他害怕什么？”（KW当代艺术学院，柏林 2018）；“他害怕什么？”（Company，纽约，2018）；“女性悲剧的四季”（Galerie Fons Welters，阿姆斯特丹，2017）；“对于一个尴尬的人来说，总是很难避免尴尬的事情”（卡洛斯/石川，伦敦，2017）；“皱纹热浪”（Chateau Shatto，洛杉矶，美国（2017）；“无常的寓言”（荷兰弗朗斯·哈尔斯博物馆，哈伦哈勒姆博物馆，哈勒姆，2017）等。
部分群展：“Horizens”（东亚艺术博物馆，科隆，2022）；“釜山双年展：We, On the Rising Wave”（釜山，2022）；“Note to Self”（Sofie Van de Velde，安特卫普，2022）；“To Be Like Water”（Tent，鹿特丹，2021）；“汲物之思”（金鹰美术馆，南京，2021）；“墨城”（大馆当代美术馆，香港，2021）；“||| –She spins the thread, she measures the thread, she cuts the thread”（Nest，海牙，2021）；“传统的频率”（广东时代美术馆，广州，2020）；“Risquons-Tout”（WIELS，布鲁塞尔，2020）；“Global(e) Resistance”（蓬皮杜中心，巴黎，法国，2020）；“In the Presence of Absence”（阿姆斯特丹市立博物馆，阿姆斯特丹，2020）；“非黑/非红/非黄/非女”（Times Arts Center，柏林，2019）；“在我的房间里”（天线空间，上海，2019）；“Hollandse Nieuwe”（阿姆斯特丹市立博物馆，阿姆斯特丹，2018）；“It’s Get Better V”（ICA，伦敦，英国（2017）；公共项目（卡塞尔文献展，卡塞尔，2017）；“野蛮人和哲学家：黄金时代的中国形象”（弗朗斯·哈尔斯博物馆，荷兰，2016）等。
王裕言
1989年出生于山东，现生活和工作于法国巴黎。先后于2016年毕业于巴黎美术学院，2020年毕业于弗雷努瓦当代艺术国家工作室。王裕言是一名电影导演和跨学科艺术家，在作品中探讨了图像创作在媒介、表征及注意力经济作用下受到的影响。王裕言充满诗意和政治性的创作，往往聚焦图像工业生产链中的流变，而后者无尽的开发往往导致了某种现实的抽象。通过对图像的回收再利用，她的影片挑战并颠覆了图像的功能和意义，打破了现成、加工与原创素材之间的固有位阶。借助剪辑、音效和沉浸式环境，王裕言从干扰中创造焦点，在明晰中注入含混，并自如地游逸于两者之间。
王裕言的作品曾在泰特现代美术馆、东京宫和第12届柏林双年展上展出。她的电影曾入选柏林国际电影节、鹿特丹国际电影节、欧洲媒体艺术节等多个电影节，并屡获殊荣。
徐冠宇
1993年出生于北京，现居于美国芝加哥。徐冠宇成长于保守家庭，他的艺术实践同时受到美国视觉文化中所传递的意识形态所影响。通过运用不同媒介，如摄影、新媒体及装置艺术，徐冠宇从审视摄影中的权力生产延伸至对个人自由的诘问，以及其与政治政权的关系。作为一位性少数者，徐冠宇通过自己的创作凸显其充满矛盾的流散身份，诉说着个人身份认同困境以及在国家之间游走的处境。
徐冠字曾获得多个国际奖项，包括美国芝加哥市文化事务和特别活动部的艺术家资助（2022）; CENTER 艺术家资助（2021）; Hyéres International Festival Prize（2020）; 2020影像上海博览会曝光奖（2020）; 费城摄影艺术中心年度摄影比赛（2019）; Lensculture新锐摄影奖（2019）以及柯达胶片摄影奖（2019）。徐冠字曾参与多个艺术家驻留项目，包括美国芝加哥ACRE、纽约雪城大学摄影机构Light Work及芝加哥Latitude艺术家驻留项目。
他的作品曾于多个国际知名博物馆及大型机构展出，包括美国纽约光圈基金会、纽约国际摄影博物馆中心、芝加哥当代艺术博物馆、新奥尔良艺术博物馆、休斯顿美术馆、瑞士温特图尔摄影博物馆以及第36届德国卡塞尔纪录电影暨录像展等。他的作品为多家公共博物馆所收藏，包括美国旧金山现代艺术博物馆、哈佛艺术博物馆、麦迪逊艺术博物馆、休斯顿美术馆、芝加哥当代摄影博物馆以及新奥尔良艺术博物馆等。
展览文字
陈泳因1987年出生于香港，是一位关注社会实践的多媒体艺术家。她的作品关注个体感知、人际关系及其与物质性之间的张力，常常通过收集、筛选和重组日常生活片段，探索个体、集体和个人回忆的互动。在陈泳因从 2020 年持续创作 的参与性项目《半梦》中，她收集不同地区人们的梦境并将其匹配，让人们基于梦境而不是社会界限进行联系。有感于近年来社会变动及其带来的文化与政治分歧，艺术家将梦视为一种可以将不同背景的人们联系起来的共同语言。“一旦我们记起了梦，它们就会成为我们的记忆，就像我们清醒时发生的事情一样。”陈解释道。无论是通过倾听、分享或是寻找共同的梦，陈希望《半梦》能够培养同理心并实现弥合裂痕的可能性。在本次的呈现中，艺术家根据UCCA西展厅空间设计了场域特定装置。在这个“半公共”的空间里：参观者可以放松，浏览别人的梦想，也可以欣赏一杯以梦为蓝本而设计的“鸡尾酒”，聆听远方的陌生人通过麦克风独自诉说着梦，或者亲自做梦，等待梦境将你带向所匹配的另一方。
克里斯汀·孙·金1980年出生于加州橙县，现工作并居住于柏林，她的艺术实践探讨声音的视觉呈现及其作为社会资源的传播。她采用绘画、表演、声音实验、影像以及大型墙绘等不同的媒介，结合音乐记谱法、信息图形、书写语言、美国手语以及其他肢体语言来进行创作。克里斯汀·孙·金选择运用的视觉语汇与她个人作为听障社群一份子的生活经验有关，也以此探讨声音相关的政治与社会议题。在位于西展厅的场域特定墙绘作品《很遗憾，我们不能》中，克里斯汀·孙·金借由日常使用的美国手语中表示“做梦”和“创伤”的内容，将其巧妙转化为墙面上的绘画:将自己的食指多次弯曲并自头部挪开的动作，意味着一个梦正在成型;在自己的额头上横向划动食指，表达“创伤”——若划动四只手指，则表示非常压抑而沉痛的创伤。这些手势所引出的形似半圆或线条的动作轨迹，在墙绘中仿佛四道划过灿烂夜空的视觉谱记:它们既是手语作为(非声音传播的)语言符号的视觉标记的美学延展，引起观众对人的多种感知方式的重视，同时也是对声音主导的口头语言统治下的既有艺术史叙事的挑战。该作品标题源于艺术家在此前的项目和生活中常常遭遇的被回绝的经历由此产生的压抑情绪，她由此希望以“很遗憾，我们不能” 这类广泛用于婉拒客户诉求的经典商务修辞，以命名这件仿佛诉说着生存本身的复杂性的作品。
伊西娅尔·欧卡丽兹1965年出生于西班牙圣塞瓦斯蒂安，现生活于纽约和圣塞瓦斯蒂安。她的创作围绕行为表演，结合文字、影像和装置等不同媒介探讨建筑、地域、身体、符号与仪式之间的关联。《雕像》记录了欧卡丽兹在不同国家地区博物馆里与雕塑及其他艺术品之间展开的“喃喃私语”。通过这一直接而私密的对话行为，艺术家赋予这些静止的物件以灵魂、生命以及主体性。与此同时，她在对话时长期保持不变的姿态，似乎也模糊了她自身作为行为者与被动的物件之间的界限。在此过程中，欧卡丽兹与这些艺术作品背后所凝聚的历史讯息建立起另一维度的个人化的亲密关系。在此次展出的另一件行为作品《梦的日志》中，艺术家首先以文字形式记录下自己一段时期的梦境，然后根据这些文字转化成声音表演。她会重复某些句子，或者调转一些语序，这个对梦的叙事解构的过程，其实指向令人难以捉摸的梦与记忆本身，以及不断转化的意识流式的思考和感官经验，亦是现实与虚构互为存在的最佳隐喻。在展览期间，艺术家还会为观众现场朗读这些梦的日志，分享那些逃逸了理性语言、原本只属于个人的记忆、困扰或愿想。
斯凯·霍平卡1984年出生于华盛顿州芬代尔，是美国原住民影像艺术家、摄影师，也是一位诗人。他是圣语族部落的一员，也是路易塞尼奥印第安人佩昌加族的后裔。霍平卡将自己的创作视为“民族志诗学”，以其生活经历为基础，并由此生发出丰富的拓展。霍平卡的影片结合了录像、录音与档案材料，探讨语言、景观与身份的概念，以及美国原住民社会的神话与传统。在《口耳相传》中，一双手在光板上不断排布被剪裁、分割，记录着朋友与风景的透明胶片。随着画面的推进，霍平卡念诵的诗句细细讲述着家庭、创伤、原住民传说与怀旧乡愁。这首诗也收录在霍平卡的诗集《背叛》之中。正如这本诗集是想法与图像的拼贴，这部影片也是一种视觉拼贴，或者可以被称为一首动态的视觉诗歌，同时也是对霍利斯·弗兰普顿的实验电影《怀旧》的致敬。在影片的结尾，艺术家本人与朋友们化身为一群乐手，相聚在房间里，演奏起波·迪德利1995年的歌曲《心动的爱》，在这首歌的描绘中，爱如同一场公路旅行。通 过图像、声音与文字间的层叠呼应，霍平卡探讨了故事诉说的本质，以及记忆、知识的分享。
徐冠宇1993年出生于北京，现作为多学科艺术家活跃在芝加哥。 他的作品探讨了摄影作为一种创作形式的权力构建，以及个体自由与政治体系的相关性。“外籍人口”是其正在进行中的摄影系列作品，通过在以签证身份居住于美国和中国香港移民的家中进行拍摄，记录了艺术家在他们家中所做的临时装置。尽 管每个装置的构造各异，但都包含相似的元素:拍摄并打印出 的参与者的住所、其私人物品和展现其生活不同方面的照片。 这些照片都由参与者亲自选择。在此系列中，徐冠宇审视了移 民群体所面对的不确定性与困境，尤其是这些挑战与他们不稳 定的居住状态的关系。如何定义“自我”是他们所面临的核心问题:无论是对于不同社会文化的适应，在申请居住身份时所 塑造的新“人设”，还是对于刻板印象的抵抗。徐冠宇希望通过 此系列作品挑战传统，展示移民群体中个体的多样性，以对抗冷冰冰的移民申请材料或是对特定群体的俗套描绘。正如这些照片本身就是由有意选择的物品和图像所构成的一样，徐冠宇鼓励观众认识到“身份”本身也是一个有意的构建，邀请观众将“身份”置于变化而非固定的情境中思考。
此次展出的《水之妖灵》由两位土耳其艺术家——艾丝利·乔乌肖鲁(1982 生于伊斯坦布尔)和因吉·艾薇内(1956 年出生于安卡拉)共同创作而成。艾丝利·乔乌肖鲁的作品关注个体如何改变、代表和诠释文化和历史事实。她的创作横跨多种媒介，在不同的作品中扮演着诠释者、作者、或是推动者的角色，突显集体记忆的脆弱和主观性。另一位艺术家因吉·艾薇内的创作则集中于绘画，她将自己的作品形容为“通过纸上的线条进行表达”。她广泛的艺术语言融合寓言、图像志、插图、神话以及各种现代图形符号，通过这些元素去探讨性别、身份政治等多个方面的议题。在创作《水之妖灵》前，两位艺术家探访了位于土耳其色雷斯地区的埃尔盖内河。有感于当地受工业垃圾重度污染的现状，她们决定在米纸上创作这件大尺幅作品。运用丝网印刷技法，重新描绘出因污染而灭绝的水下动物，并在其中融入城市文化和本地神话元素。值得一提的是，艺术家创作过程中使用的墨水加入了这条被污染河流的水。安纳托利亚神话中的妖灵是一种可以变成各种形态、施展特异能力的无形精灵。在艺术家的笔下，这些水下妖灵仿佛拥有了实体，同时赋予整个创作过程如萨满教一般的仪式感。这些生灵散布在米纸的水墨之间，为河流重新注入生机。
曹晶1989年出生于台北，现生活和工作于维也纳，她的创作涵盖雕塑、装置、音乐、表演以及新媒体等不同媒介。她感兴趣探索不同物质材料中的人工性及其蕴含的人类记忆以及历史痕迹，其中陶与瓷是其经常运用的材料。洛可可时期的中国风以及东方主义对装饰艺术的影响给予了曹晶创作灵感，这几种艺术风格体现了异国情调的投射而非东方图像的忠实再现。在她的陶瓷作品中，常常带着一丝荒诞与幽默感去探讨文化归属以及身份认同的议题。此次展出了曹晶近期创作的一系列陶瓷浅浮雕，她以极快的速度将瓷土倒入窑具中，限时3到5分钟之后就开始塑形。这一充满即兴、自发以及不可预测的创作过程，将艺术家的情感张力保留在陶瓷的造型之中。这些浮雕令人联想到超现实风景或是野兽化的面庞，它们既源自于艺术家的想象，某种程度上也是她个人肖像的变体。通过塑造这些异化的面庞，曹晶希望探讨当代人对于面部改造行为的执迷，以及在这个后全球化世界和共享现实观念之下定义身份的可能性。
王伊芙苓韬程1981年出生于成都，现工作和生活于鹿特丹，她的作品根植于自身所处的社会语境，融合自传的成分与富有想象力的诗意叙事。跨越绘画、写作、表演、服装设计、影像等众多既定的艺术门类，王伊芙苓韬程随心所欲组合这些媒介探索自己关注的议题，例如殖民历史、文化同化、 性别与身份认同、女性主义等。其中语言是贯穿王伊芙苓韬程作品的重要元素，不论是在她的绘 画与影像中直接出现的文字，或是给予她灵感的文学与诗歌片段，抑或是她自己日常的言语表达，由此编织出其对“如何展开联想”这一根源性创作问题的探索过程。此次展出的两组一大一小的纸本作品延续了被艺术家称为“假海报”(False Poster)系列创作的形式，均以文字内容为基础，其中稍大尺幅作品上的引文“那个是女人说给女人去听的”和“我想每只蚊子的感受是一样的”均出自英国小说家大卫·赫伯特·劳伦斯的小说《查泰莱夫人的情人》(1928年出版)。艺术家以漫 不经心的方式绘出这两句颇显荒诞的台词(其中一幅还邀请了艺术家安娜·卢可扎克参与创作)，旁边小幅草稿般的文字则像是对前者的补充，为引用文字赋予个人色彩，记录了艺术家对台词的评论以及作品本身的绘制过程。碎片化的词与句在纸上游离与生长，彷佛两段被画笔捕捉下来的对话片段，同时也成为王伊芙苓韬程自己所写的——“它最终成为我用来评论我自己画作的画作”。介于书写与绘画之间的创作方式，以及较大幅作品下角的红色签名印章，还揭示出中国书画传统在她作品中一以贯之的影响。对于这个媒介的研习是王伊芙苓韬程理解自身文化背景与历史的通 道，她不断从中汲取养分，又不断自我切断其供给，从而将自己从简单的传统源流与临摹复制中剥离， 回归自我的创作直觉。
艾莉桑德拉·杜曼诺维1981年出生于前南斯拉夫，诺维萨德，是一位定居在柏林的艺术家和电影制片人。她时常采用自传体的叙述方式，通过雕塑、视频、版画和数字媒体等艺术形式探索科技、历史和身份之间的关系。本次展出了四件杜曼诺维的雕塑，都以贝尔格莱德手——世界上第一只具有感官反馈功能的机器手——为原型，并分别以不同的姿态“信手”拈起四件与女性主义叙事相关的物件:《小姐妹 II》中手指托起的鸽子，源于基督教圣女思嘉雕像的标志性手势——在自己胞兄的注目下，她的灵魂化为白鸽升天;《自由火炬》让人回忆起1950年代国际香烟营销广告策略——为吸引女性客户群体消费而宣传香烟会解放女性的市场引导，无意中 推进了对当时社会规范的挑战;《接力赛跑者》中手握木棒的手势令人联想起前南斯拉夫1940至80年代每年都会举行的青年接力赛跑，这是那个时期最具象征意义的集体活动之一;《午后一梦》则源于墨西哥超现实主义画家迭戈·里维拉在大型墙绘《梦想在阿拉米达公园度过一个星期天的下午》中描绘的超现实主义画家(兼妻子)弗里达·卡罗手持的太极标志。杜曼诺维将这几件作品与一段兼具纪实与科幻元素的时间线相并置，通过具有丰富意涵的雕塑与周围历史 信息的互相映照，邀请观众重思人与技术和历史的关系，以及女性在其中所扮演的角色。
马秋莎1982年出生于北京，其艺术实践与个人生活经历密 不可分。她运用摄影、影像、装置、绘画等多重媒介作为工具，创作主题在个体和群体、私密空间和公共领域之间穿梭引渡，对个人、家庭、代际关系的研究也拓展到在不断变化的时代背景中对不同社会群体的理解。此次展出的作品《海上窗》延续马秋莎此前的项目“琉璃厂东街 52 号”，是她的最新创作。她将收集于世界各地拍卖场、线上平台以及古董店里来自中国的文玩旧货汇聚于一个移动的橱窗内:清末民国时期的中国瓷器、铜胎掐丝珐琅摆件、展示北平风光的明信片、东西方不同审美趣味之下制作的满族格格(或中国公主)人偶以及回流自日本的镜子，被腐蚀的镜面上隐约可以看到一位旗人女子肖像(艺术家本人)。该项目的缘起与艺术家孩童时期就经常在琉璃厂——北京著名的“古玩一条街”——流连玩耍的回忆有关，也和马秋莎对于自身身份——家庭户口簿上登记的满族身份——的想象与探索有关。橱窗中的物品与图像的制作年代横跨晚清、民国直至 千禧年，其中既有珍贵的老物件，也有很多仿制品。它们被锁在橱窗之中，显得珍贵而且难以触及，同时也更容易聚焦关注，这恰恰使得一些不可见的内涵得以显形。这些物件往往在不同时期通过贸易流通海外，又因市场需求回流至原产地。通过艺术家的挪用、编排与重构，这些物件的历史确定性开始发生游移，连同背后所蕴藏的生产与贸易流转、集体记忆以及个人情感都被一一激活。真实与虚构、记忆与现实在小小的橱窗里模糊了边界。这个项目对于马秋莎来 说，既是一场关于儿时记忆与个人身份探究的自传式写作， 也是一个开放的路径，“希望每个人都能找到与这个时间， 跟这一百年(历史)之间的一些关联，从中也可以照见自己。”
王裕言1989年出生于青岛，是一名电影导演和多学科艺术家，其作品关注图像创作在媒介、表征及注意力经济作用下受到的影响。王裕言的全新影像装置《熟睡的世界转过身来》经过长达两年的筹备，结合大量的现成影像素材，描绘了一个虚构世界中的人造照明工程。通过技术手段干预和改变环境的地球工程不仅在历史上和诸多虚构作品中均有体现，如此科幻般的隐喻也存在于当代生活中:无处不在的数字产品照明与无处不在的城市亮化景观互为表里，数字设备在现实生活中已然成为身体的延伸和义肢。这些令人叹为观止的现代城市灯光基础设施，辅助着散落在各处的记录仪、视频监控系统、直播摄像机和智能手机，成为公共图像记忆的背景。在展览现场，一个橱窗结构将作品分割成相互映射的空间，观看者同时成为被展示的景观的一部分:双面镜不仅提供了独特的影像体验，也提示了对环境和观看行为的反思。对王裕言而言，尽管生活越来越趋于数字化、无线化，并依赖云端可解析的数据，人类无限的未来主义构想却比以往更受制于地球深处的岩 质时间和有限的矿物与能源，因此艺术家希望这个项目的创作过程能够记录下这个痴迷于可见性与效率的时代的一个切面，以及我们无限的驱光与视觉欲望的症候。
单慧乾1991年出生于多伦多，现工作和生活在伦敦。TA在作品中常常运用“变装”的方式，结合行为表演、写作与影 像等不同的创作媒介，探讨和质疑观看系统中理想形象的化身。艺术家通过不断创造并附身于多重身份，游移于不同的角色之间，亦打开一个想象不同世界与存在方式的空间。在《全部都係你》中，艺术家将TA在过去作品中构建的四个不同男性变装角色，或者说是四个不同的自我形象——美男 子“宇宙”、严肃的“说书人”、孩子气的“唯一”和万人迷“Wai King”——组成一个偶像男团。观众可以在这件作 品中完整享受男团粉丝的体验。不断循环播放的双屏影像是艺术家为这个虚拟团体所打造的同名主打单曲，观众亦可以 跟随卡拉OK形式的歌词一起演唱;几件人形立牌的展示令 人联想到广泛存在于我们生活中的商业宣传手法，而偶像就 在我们中间。单慧乾以夸张的手法揭示偶像团体自相矛盾的 存在逻辑，即个体必须作为团体的一部分而存在。与此同时，这一呈现手法亦扰乱了欲望空间中的身份定位，揭示“观看”行为从不单纯。单慧乾对于这些偶像团体的检视，也引发了一系列思考，例如不同身份如何在大众消费中被包装及商品化?人的欲望是否有着共同的本质?偶像团体如何承担爱、幻想以及集体逃避的责任?
