UCCA北京
廖斐：如人有目
2025.5.17 - 2025.9.7
关于展览
UCCA尤伦斯当代艺术中心于2025年5月17日至9月7日呈现廖斐个展“如人有目”，展出艺术家涵盖雕塑、装置与影像的代表系列作品与最新创作。本次展览是廖斐职业艺术生涯以来最全面的机构个展，也是对其十余年来围绕物质与存在本质展开艺术探索的阶段性呈现。
2025年5月17日至9月7日，UCCA尤伦斯当代艺术中心呈现廖斐（1981年出生于江西景德镇）自2006年开始职业艺术生涯以来最全面的机构个展“廖斐：如人有目”。展览以“物质、场域、延伸、无限、推演”五个关键词为线索，回顾与梳理艺术家的创作历程，不仅展出廖斐早期聚焦物质材料之间关系与张力的作品，同时重点呈现他放弃具象雕塑十多年之后再次回归的“手征空间”系列，以及近期借助穷举法所完成的“单向雕塑”、“局部被遮蔽的圆”系列。这些作品以其严谨的形式语言和实验性的思维方式，超越传统雕塑对物质“形”的关注，展现出一种介于逻辑与艺术之间的独特视觉体验。本次展览旨在探讨视觉艺术如何成为一种探索存在的媒介，通过将严密的逻辑推理转化为直观的视觉经验，揭示艺术家对世界运行基本法则的持续思考。“廖斐：如人有目”由UCCA策展人张南昭策划。
廖斐的创作轨迹始于对存在的思考与对个体局限性的反思，同时以深入研究物质本质为创作核心，将个人的艺术探索建立在对客观规律的观察与思考之上。从早期的雕塑训练出发，他逐渐发展出一套独特的创作方法：通过逻辑推演，对形而上命题的思考，构建出一种介于理性与直觉之间的视觉语言。
“如人有目”这一展览标题源自《金刚经》：世间万物以其自明的方式呈现在我们眼前，而这一理念亦指向廖斐对于形式与物质关系的探索——通过艺术实践消解观看与认知之间的界限。本次展览空间设计也直观地呼应了这一探索：此次展览打通了展厅空间，营造开放式布局，以“无遮蔽性”回应廖斐的创作。
观众步入展厅，呈现其间的装置、影像与雕塑作品彼此映照，构建起一个富有逻辑性的视觉场域，直指艺术家对存在本质的思考。展墙的去除更强化了这一空间经验——在完全开放的视野中，作品之间自然展开对话。在展厅入口，《移动No.1》（2013）记录了一场充满张力的物理实验：图片中一对反扣放置的椅子之间夹着一块缓缓融化的冰块，当这一平衡系统随着时间的推移而瓦解时，观众得以见证一场自然力量在内部运作的瞬间。位于其一侧的影像作品《一件短暂的真空雕塑》（2015）则呈现一组由日常物马桶搋子组装成的一条脆弱的横向线条。这条看似能够向两端无限延展的结构，最终因真空力的消失而变形。这两件早期作品共同探讨了物质世界中那些表面稳定，实则不断流动的状态，艺术家通过设置一个初始条件，让作品自行完成从秩序到混沌的转变过程。在另一侧的影像作品《信号》（2015）中，艺术家以“绿灯直行，红灯右转”的简单规则展开骑行。30天不同路线构成的动态地图，揭示了规则限定下的可能性变化，也是艺术家对物质世界运行规律的隐喻式探索。
《无限自然拓扑1》（2017/2025）将一个几何点转化为不断生长的线条，最终演化为平面空间。随着线条在空间中拓展，数学定律的严谨与无尽可能在其中交织。而在《单向雕塑1-4》（2017-2022）中，廖斐巧妙利用塑料扎带的单向延展性，将这一工业材料的物理限制转化为空间语言的探索媒介，以穷举的方式展现出所有空间结构的可能性。两件作品在有限与无限的辩证关系中展现出一种独特的张力，暗示着人类认知的边界与可能性。
在作品《延长的虚线》（2016）中，艺术家将七枚浮标与不同重量的石块相连，掷入河流之中。石头的重量决定了落下的间距，依次延长形成一条虚线，同时浮标则在水面上浮动，勾勒出一道若隐若现的轨迹。这种介于固定与飘移之间的状态，宛如一场关于确定性与不确定性的视觉寓言。相比之下，在《蜿蜒的曲线》（2018）中，艺术家通过对纸张折叠与拼接形态的逐步推演，创造出一种介于曲线与直线之间的空间矛盾。而这两件作品也标志着廖斐创作思路的转向：从对物质世界的直接干预，转向了对几何形态与逻辑关系的内在思考，试图揭示人为介入与自然规律间微妙而难以捉摸的关系。
展览最后呈现廖斐近年创作的“局部被遮蔽的圆”系列（2024-2025）和“手征空间”系列（2021-2025）多件作品。艺术家在“局部被遮蔽的圆”系列中，探索物质在微观层面的构成规则。他借助简约的几何形体进行形态变化，推演出出人意料的抽象图案，在扁平与空间的交错中，生成一组晶体般的视觉韵律。“手征空间”探索了抽象状态下“手”的指向性，推演手的对称性、平衡性以及所能组成的空间语言。这一系列的排列与推演，令人联想到人类以自身为标尺去理解和想象世界的认知模式，亦可延伸至艺术家对于篆书字体结构及其在书写中对于物我的映射关系的思考。
关于艺术家
廖斐1981年出生于江西省景德镇市，2006年毕业于上海师范大学，现工作和生活于上海。近期个展包括“形下寺”（Vanguard 画廊 × 醍醐艺术中心，上海，2023）；“外在”（花厅计划，上海，2021-2022）；“这一切是随机发生的吗？”（OCAT上海馆，2021）；“广延”（Vanguard 画廊 × 零时艺术中心，上海，2018）；“平坦”（上海玻璃博物馆，2016）。部分群展包括“80后的图景——代际的跨越”（油罐艺术中心，上海，2024）；“险境集”（美凯龙艺术中心，北京，2024）；“青山行不尽：山海渡远”（大阪文化馆·天保山，大阪，2024）；“沉静的响雷”（UCCA尤伦斯当代艺术中心，北京，2021）；“继续/不继续的传统：中国影像艺术”（萨拉曼卡艺术中心，澳大利亚塔斯马尼亚，2021）；“于显现或隐匿之中”（巴塞罗那当代艺术博物馆，2018）；“疆域：地缘的拓扑”（OCAT 研究中心，北京，2018）；第11届上海双年展“何不再问？正辩，反辩，故事”（上海当代艺术博物馆，上海，2016-2017）。
赞助与支持
展览独家住宿支持由Stey提供，展览独家环保墙面方案支持由多乐士提供。同时亦感谢尤伦斯艺术基金会理事会、UCCA国际委员会、UCCA青年赞助人、首席战略合作伙伴阿那亚、首席艺读伙伴DIOR迪奥、首席影像伙伴vivo、联合战略合作伙伴彭博，以及特约战略合作伙伴友邦保险、巴可、多乐士、真力、北京SKP和Stey长期以来的宝贵支持。
展览公共项目
在展览“廖斐：如人有目”对公众开放的首日，本次展览策展人张南昭与艺术家廖斐将共同带来一场特邀导览，深入介绍策展理念、展出作品以及艺术家的创作方法。艺术家依据作品特性对此次展览空间进行了设计与改造，并将在导览过程中，与观众一同探索作品与空间的同频共振。
展期内，UCCA还将举办一场围绕廖斐创作实践的专题对话，以探讨艺术家长期以来的思维方法与创作路径。对话将邀请同济大学-弗莱堡大学联合培养艺术哲学博士罗仕平，与展览策展人及艺术家本人共同展开讨论。
作为一位始终以理性态度面对艺术实践的创作者，廖斐长期关注存在问题与认知边界，通过数理系统、逻辑结构与语言的形式转译，探寻事物本质的可见性与感知可能。本次对话将围绕当代艺术如何创造性地转译逻辑语法展开，进一步讨论技术理性与人文价值之间的辩证关系，以及数理逻辑在廖斐创作中的持续体现。同时，讨论也将延伸至古代中国语法与当代计算机语言之间的形式同构，从中探讨东方语言逻辑与人工智能语言模型之间潜在的结构关联。活动具体信息请以最新官方预告为准，敬请关注UCCA官方网站、微信公众号的后续发布。
展览文字
《一件短暂的真空雕塑》
廖斐的早期作品多以探究物质材料之间的关系与张力为出发点。在《一件短暂的真空雕塑》中，他将多个马桶搋子组装在一起，理论上这个结构可以向地平线两端无限延伸，但实际上却受到限制。由于橡皮吸盘之间依靠真空形成的吸力是短暂的，在视频的最后，我们可以看到最右边的搋子已经松脱。学习雕塑出身的廖斐，通过这件作品解构了现代艺术史上康斯坦丁·布朗库西的经典之作《无限之柱》——一个通过不断叠加雕塑底座而构成的垂直重复结构。这件作品也体现了他对于单一元素不断重复和推演，以及在创作中触及“无限”及显现“有限”的持续兴趣。
《移动》
在“移动”系列中，廖斐关注物质的物理属性及其引发的因果关系。他利用随手可得的材料，组合至临时性的平衡状态。在作品中两张椅子反扣相叠，中间夹着两块和椅面等大的冰块，由此形成一个具备运动潜能的初始条件。随着时间的推移，冰块逐渐融化，原有的力矩被打破，椅子随之滑落，最终呈现出一个由人为设定引发物体自然运动的剧场。
《无限自然拓扑1》
如何确立一个不以人的意志为转移的真理？数学或许可以给我们提供某种确定性。在二维世界中，点、线、面构成了空间的基本元素。矩形中最长的线段是其对角线。
在这件作品中，廖斐将一个点拓展为线，再由线拓展为平面空间。伴随着空间的延展，这根线也在其中不断生长，并始终是这个空间里最长的直线。随着空间的延展，我们眼前的这根线，也将无限接近平坦。黑格尔曾在《逻辑学》中批判由于数学抽象的、外在推演的属性，其所提供的确定性有一定局限性。但当我们看见坚实的墙面上，线段的排列组合所产生的视觉体验，抽象的数理逻辑开始变得坚固起来。
《信号》
在《信号》中，廖斐以交通规则为前提，设定了一个可以“永不停歇”的骑行方式：遇到绿灯直行，红灯则右转不停。他每天从同一路口出发，不间断地骑行1小时，持续30天，并用软件记录每次的骑行路径。此次展览呈现了其中一日的骑行影像记录，并将这30天内经过的不同路线打印呈现。观众从中可以看到，在这个限定之下，有些路径不断在周围区域打转，有些则可以延伸到平时鲜少到达的偏远地点。这些在一定规则之下生成的路径变化，也可以视作对人们认知活动的局限性及可能性的隐喻。
《单向雕塑1-4》
廖斐选用塑料扎带这一日常物件，作为探索空间结构可能性的材料。扎带的结构设计决定了它只能从一个连接点向外延展，具备射线的单向性；同时，它只有往一个方向弯折，尺扣才能对齐并被拉紧，若反向则无法固定。这样的双重限制，使扎带在艺术家手中被抽象为仅具有单一延伸方向及最大弯折角度减半的“1/4直线”。虽然说扎带构成的形状是无限的——任何一点移动和变化都会带来新的可能性——但是“1/4直线”所能构成的空间结构则是可以穷尽的。廖斐从1根扎带所能构成的空间结构开始，逐步推演到2根、3根、4根，以穷举的方式展现出所有空间结构的可能性。有限和无限并存在这些排列组合之中，以严密而又轻盈的方式，勾勒出日常之物所蕴含的形而上本质。
《延长的虚线》
艺术家在波士顿查尔斯河畔巨量的石头中选择了7块重量不等的石头，并将7只浮标分别绑在7块石头上，依次奋力将它们扔进河里。理论上可以形成一条因为石头的重量不同而造成的间距不等的虚线，但现实中石块的分布受河流的影响，最终显得十分随意。浮标随之浮起成为坐标，形成水面上的一道虚线。随着河水的冲刷，浮标随之波动，绑着较轻石块的浮标更容易随着水流飘移，近处较重石块的浮标则相对稳定，于是，这条虚线将在河流中不断延长。
《蜿蜒的曲线》
在《蜿蜒的曲线》中，艺术家将A4纸对折后折叠成三角形，形成一对镜像空间。随着不断重复拼接，构成一条从近处看呈曲线，延长到一定程度后又可被视作直线的形态。如果说廖斐此前的作品像是一场与环境互动的物理实验，那么自《蜿蜒的曲线》这个时期的作品开始，他的创作逐渐摆脱对外部空间与物质材料的依赖，转向最低限度的单一元素与逻辑推演，以更为几何化、纯粹化的方式，探索感知与经验背后“物质世界”的潜在结构与运行机制。
“手征空间”系列
在廖斐看来，双手的运动规律与手势组合，既是客观物理属性的显现，又承载着强烈的主观能动性，被赋予超越其自身维度的丰富意涵。例如佛教造像中各异的手的姿态被称为手印，象征着特定的教义或理念；而在粒子物理领域，手的对称性与左右旋转的“手征性”亦成为描述粒子行为性质的专有概念。廖斐以此为灵感，在“手征空间”系列雕塑中，探索抽象状态下手的指向性，推演手的对称性、平衡性及其所能组成的空间语言。这一系列的排列与推演，令人联想到人类以自身为标尺去理解和想象世界的认知模式，亦可延伸至艺术家对于篆书字体结构及其在书写中对于物我映射关系的思考。
“局部被遮蔽的圆”系列
廖斐在“局部被遮蔽的圆”系列里，延续折纸这种最为简化的创作形式，进一步探索物质在微观层面的构成规则。他将同等大小的方形纸片标画出单位圆，并根据正方形顶点及其与圆形切点所催生的各类连线进行对折。随着对折的进行，圆在二维与三维之间不断转换，最终以一系列局部被遮蔽的形态呈现。在此基础上，廖斐通过图形的并置、叠加并逐渐加入色彩，推演出出人意料的抽象图案，亦令人联想到重叠簇生的晶体结构。整个系列的作品在看似简单而又机械的铺陈排列之下，呈现出别样的静谧与旋律感。
